tag:blogger.com,1999:blog-37948480616006022852024-03-25T00:32:27.424+01:00Mis pianadasDiario de un eterno estudiante de piano, lo que estudio y grabo, reseñas bibliográficas de compositores...Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comBlogger157125tag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-5313016464035494852024-03-07T11:14:00.008+01:002024-03-07T11:14:53.751+01:00Karganov, 12 Arabescos, Op. 6, n°. 4<p style="text-align: justify;">La pieza Arabesco op. 6, n°. 4 de Genari Karganov es una obra para piano que forma parte de su colección de 12 Arabescos. Es la que fue elegida para el XCIX concurso de piano del foro entre88teclas.es.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/KEi7S0CzoK0" width="320" youtube-src-id="KEi7S0CzoK0"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;">Karganov, un compositor ruso menos conocido en comparación con gigantes de su época, contribuyó significativamente al repertorio pianístico con piezas que, aunque no tan ampliamente reconocidas, ofrecen una riqueza en melodía y técnica que puede ser muy gratificante para los pianistas intermedios.</p><p style="text-align: justify;">Este arabesco es una pieza encantadora del Romanticismo tardío, llena de expresión tierna, que forma parte de una colección de 12 Arabesques publicada en 1880 en Hamburgo por D. Rahter. Estas piezas, también conocidas como "12 Petites pièces", muestran el estilo romántico y estaban dedicadas a Mademoiselle Alexandrine Solovyeff.</p><p style="text-align: justify;">El término "arabesco" en la música, así como en otras formas de arte, se refiere a un patrón ornamental que consiste en líneas entrelazadas y motivos florales o geométricos. Su origen se asocia tradicionalmente con el arte islámico, donde el arabesco es un elemento fundamental debido a la prohibición de representar figuras humanas y animales. Este estilo de ornamentación se caracteriza por su complejidad y fluidez, creando una sensación de movimiento infinito y una rica decoración visual.</p><p style="text-align: justify;">En la música occidental, el concepto de arabesco se ha utilizado para describir piezas que incorporan una ornamentación melódica fluida y elaborada, evocando la sensación de los patrones visuales arabescos mediante el uso de figuras repetitivas y florituras. Claude Debussy es uno de los compositores más asociados con el uso del término "arabesco" en la música. Sus "Deux arabesques" para piano son ejemplos emblemáticos de cómo la música puede reflejar la calidad ornamental y etérea de los arabescos visuales. Estas piezas, escritas entre 1888 y 1891, muestran una clara influencia del arte y la estética orientales, característica del interés por el exotismo que prevalecía en la época.</p><p style="text-align: justify;">El análisis de las "Deux arabesques" de Debussy revela el uso de armonías innovadoras y texturas contrastantes que ayudan a definir la estructura de las piezas, así como el empleo de escalas no tradicionales, como la pentatónica, y líneas melódicas ondulantes que simulan los patrones fluidos y entrelazados de los arabescos visuales. Estas composiciones no solo demuestran la habilidad de Debussy para fusionar elementos de la tradición armónica clásico-romántica con innovaciones que presagian el impresionismo musical, sino que también reflejan cómo el concepto de arabesco puede trascender los límites entre las artes visuales y la música.</p><p style="text-align: justify;">En resumen, el arabesco en la música se manifiesta como una expresión ornamental que evoca la complejidad y la belleza de los patrones entrelazados característicos del arte islámico. A través de compositores como Debussy, el arabesco musical se convierte en una metáfora de la fluidez, la ornamentación y la interconexión de ideas y culturas.</p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-87110501170546766722024-02-01T20:48:00.001+01:002024-02-01T20:48:07.493+01:00Bloch, Ernest, Enfantines nº 10, Dream <p style="text-align: justify;">Esta vez se trata de una pieza para el concurso mensual del foro entre88teclas.es. El "Dream" de las Enfantines de Ernest Bloch.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/hiJJKX09lIM" width="320" youtube-src-id="hiJJKX09lIM"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;">Compuestas en 1923 y publicadas por Carl Fischer al año siguiente, las «Enfantines» fueron escritas para las hijas del compositor, Suzanne y Lucienne, para su uso en su estudio de música en casa. Esta obra es una importante contribución pedagógica para los estudiantes de piano, estas diez piezas, cada una de las cuales son una miniatura de expresión de buen gusto, brindan al principiante una experiencia auditiva que no suele encontrarse debido al sabor combinado modal-tonal, además, ofrecen un desafío con sus problemas técnicos siempre musicales.</span></p><p style="text-align: justify;">Los «Enfantines» datan del período en el que Bloch se desempeñaba como director del Instituto de Música de Cleveland. Ocho de las selecciones de esta obra están dedicadas a profesores de piano de Cleveland; dos están dedicados a las hijas Bloch («Canción de cuna» a Suzanne y «Con mi madre» a Lucienne).</p><p style="text-align: justify;">Una imagen del estado de ánimo, Dream (sol menor, compás en 9/8) abre pianissimo con una melodía lastimera que presenta un sexto grado elevado (modo dórico) sobre una serie reiterada de tríadas en sol menor en el compás 2, sin embargo, a medida que la melodía se expande, aparece breve y parcialmente también en la mano izquierda.</p><p style="text-align: justify;">Cuando la mano derecha asume las figuras de corchea, una melodía de la mano izquierda entra en «espressivo» en el compás 10 y conduce a la tonalidad dominante, donde se expande aún más.</p><p style="text-align: justify;">En la parte «a tempo» del compás 22, la melodía inicial regresa en dominante de fa sostenido menor; esta tonalidad aparentemente remota se preparó previamente en los compases 19 y 20, donde las tríadas en re bemol mayor y do sostenido menor se tocan con la mano derecha.</p><p style="text-align: justify;">Una breve sección en si bemol mayor en el compás 27 prepara para una declaración final en sol mayor, que incluye tocar con las manos cruzadas, el uso del pedal y una breve sugerencia de sol menor.</p><p style="text-align: justify;">Fuente: Foro Entre88teclas.es, Concurso de piano XCVIII, Enfantines No 10 «Dream» - Ernest Bloch. Organizado por Daniel Mireles.</p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-83056915690992065832024-01-19T12:08:00.002+01:002024-01-19T12:15:10.582+01:00Martínez-Rücker, Cantos de mi tierra, op. 39, Bolero.<p style="text-align: justify;">Pues hoy he grabado este bolero de <a href="https://mispianadas.blogspot.com/p/martinez-rucker.html" target="_blank">Martínez-Rücker</a> (Cantos de mi tierra, op. 39). Nunca había estudiado un bolero. Hasta que no he tenido bien asegurada la mano derecha no me ha salido el ritmo de la mano izquierda, con la acentuación característica del bolero (en este 3/4: corchea con 2 semicorcheas y 4 corcheas). Luego está la melodía que permite mucha expresividad y el trabajo del pedal. Una pequeña joya para estudiar y que he disfrutado mucho.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/VXO6uIHIFr8" width="320" youtube-src-id="VXO6uIHIFr8"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-29240607369711532082024-01-16T11:07:00.007+01:002024-01-16T11:07:31.376+01:00Joaquín Rodrigo, Pastoral<p style="text-align: justify;">La Pastoral de Joaquín Rodrigo, una pieza muy bonita de estudiar, que recomiendo. Un dialogo constante con la partitura, buscando ese cantabile, el cucú que se oye, una voz interna, el final marcado...</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/eYbj3xzIQtE" width="320" youtube-src-id="eYbj3xzIQtE"></iframe></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">La pieza "Pastoral" para piano fue compuesta por Joaquín Rodrigo (1901-1999) en 1926, quien a principios de los años 20, ya era un excelente pianista y un estudiante de composición familiarizado con las corrientes vanguardistas más importantes del mundo del arte. "Pastoral" fue compuesta durante este período de formación y experimentación. Es una obra lírica y expresiva que maneja 3 melodías sencillas que varían y se enriquecen armónicamente en una estructura ABBACCABBA. Es muy llamativo el canto del cucú en la parte intermedia y una fuerte disonancia al final.</div><p><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-44337351292322205422024-01-10T18:38:00.004+01:002024-01-19T12:15:54.243+01:00Martínez-Rücker, Cantos de mi tierra, op. 39, Canción<p style="text-align: justify;">Aquí va una pieza de un compositor también muy poco conocido, <a href="https://mispianadas.blogspot.com/p/martinez-rucker.html" target="_blank">Martínez-Rücker</a>. Son los "Cantos de mi tierra", op. 39, en concreto, Canción.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/LjzlxWFNHH8" width="320" youtube-src-id="LjzlxWFNHH8"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;">Cipriano Martínez Rücker fue un compositor nacido en Córdoba, España, en 1861 y fallecido en la misma ciudad en 1924. Recibió una formación musical amplia en centros de Francia, Italia, Alemania y Portugal. Rücker fue un compositor prolífico y versátil, del romanticismo español, que escribió en diversos géneros musicales que le otorgaron popularidad en su tierra natal. Además de su labor como compositor, fue un reconocido articulista sobre temas musicales y autor de libros como "La herencia de Wagner" y "A través del arte". Su obra "Cantos de mi tierra" Op. 39, compuesta alrededor de 1898 o 1900, es un claro ejemplo de su estilo musical, que se enmarca dentro de la música de salón con elementos pintoresquistas. Esta obra incluye piezas como "Canción", "Bolero" y "Zapateado", que reflejan la influencia de la música popular en España. El estilo de Rücker en esta obra se caracteriza por la utilización de melodías y ritmos que evocan el folclore de su región, integrándolos en una estructura más formal y académica, apta para el ambiente de salón y que fue muy apreciada tanto por su valor artístico como por su accesibilidad. La "Canción" de "Cantos de mi tierra" Op. 39, que abre la obra, es una pieza que destaca por su lirismo y su capacidad para capturar la esencia de la música popular española.</p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-64255065698609897962024-01-09T15:32:00.001+01:002024-01-09T15:32:44.653+01:00Francisco Alonso, Pilarcita<p style="text-align: justify;">Pues para comenzar el año 2024 una pequeña mazurka, alegre y ligera de un compositor que desconocía, Francisco Alonso López (Granada, 1887, Madrid, 1948), destacado compositor español. Su música es conocida por su gracia, alegría, fácil melodía y acento popular. Sobresalió en los pasodobles y chotis, a los que imprimía garbo y desenfado.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/zFIZlid1sbM" width="320" youtube-src-id="zFIZlid1sbM"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;">Alonso tiene una extensa obra que incluye zarzuelas, sainetes líricos, canciones, revistas, himnos y pasodobles, bandas sonoras para películas, obras sinfónicas, para piano y ballet comedias musicales y cuplés.</p><p style="text-align: justify;">Algunas de sus obras más apreciadas incluyen el pasacalle "Los nardos", el chotis "El Pichi", ambos de "Las Leandras", el chotis "Tabaco y cerillas" de la revista "Las de Villadiego" y la canción "Maitechu mía".</p><p style="text-align: justify;">En la web se pueden descargar muchas de sus composiciones: https://www.maestroalonso.com/</p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-4190696857779042282023-12-20T23:25:00.009+01:002023-12-20T23:25:58.315+01:00Glière, op. 47, nº 4.<p style="text-align: justify;">Hoy, aprovechando la grabación del villancico, he probado algo que estaba estudiando. Aún le faltaba algo por pulir pero prefiero seguir así que dejo aquí una pequeña pieza de Glière, op. 47, n° 4. Forma parte de un conjunto de 12 piezas para piano llamado "Douze Esquisses" compuesta en 1909. </p><p><span style="text-align: justify;">Es una melodía que empieza en la mano izquierda, la dobla con octavas, pasa por un tono menor y repite la melodía en la mano derecha para concluir otra vez con el mismo motivo. Es asombroso como como con tan pocos elementos se consigue estás pequeñas joyas melódicas.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/wRhB4RMhKqs" width="320" youtube-src-id="wRhB4RMhKqs"></iframe></div><br /><span style="text-align: justify;"><br /></span><p></p><p><span style="text-align: justify;"><br /></span></p><p><span style="text-align: justify;"><br /></span></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-1271840713208240832023-12-20T23:16:00.007+01:002023-12-20T23:16:41.313+01:00Arre Borriquito<p style="text-align: justify;">Este año continuo con el arreglo de villancicos populares españoles. Este es el único período del año que hago este tipo de actividad, habiendo tanta música buena por tocar... Pero me lo paso bien, llevo la melodía cantada al piano y le añado un acompañamiento. Por lo que he visto, no es muy común adaptar este tipo de villancicos más populares al piano. De todas formas, creo que queda bastante decente, algo diferente a como nos suenan estos villancicos. Así que he preparado el "Arre Borriquito". Mi sorpresa ha sido averiguar que es de creación reciente, 1930 y con autoría conocida, Ricardo Boronat.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/1mXeaehUiVc" width="320" youtube-src-id="1mXeaehUiVc"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;">Fue un compositor español nacido en Alcoy, 1879 y fallecido en 1946. Es conocido por componer la música del villancico "Arre borriquito" mientras que la letra fue escrita por el escritor, periodista e historiador Diego San José de la Torre. Boronat también compuso otros villancicos muy conocidos, por ejemplo, "A Belén pastores, a Belén chiquitos".</p><p style="text-align: justify;">El villancico compuesto entre 1925 y 1930, tiene un origen marcial, ya que en la biografía de su compositor se le bautiza como "villancico militar", algo que cuadra con su estridente fondo de tambor en el estribillo (en Fa Mayor), un recurso musical muy empleado en las marchas militares, que alterna con la estrofa (en Do Mayor). Su interpretación es muy común en las festividades navideñas debido a su musicalidad y a su aceptación entre los niños, que acostumbran a encontrarlo divertido.</p><p style="text-align: justify;">Como anécdota, se dice que este villancico lo cantaron los miembros de la división azul durante su estancia en la estepa rusa en la segunda guerra mundial, alistados como voluntarios, o bien, para limpiar sus antecedentes.</p><p style="text-align: justify;">Que el protagonista de este villancico sea un burro, que debe acudir rápidamente a Belén –la interjección «arre» se emplea para estimular a las bestias– no tiene nada de particular, y se añade a las muchas figuras de animales que acompañan a los pastores y a las gentes de la más variada condición que se acercan al lugar del nacimiento –«en un portal miserable»– para agasajar al Niño Dios. Y este hecho se reviste de carácter festivo: «que mañana es fiesta / y al otro también», proclama la segunda parte del estribillo, que resuena al final de cada una de las tres estrofas que componen el ingenuo villancico.</p><p><br /></p><p>Letra del villancico</p><p>(Estrofas)</p><p>Tengo puesto un Nacimiento</p><p>en un rincón de mi casa</p><p>con pastores y pastoras</p><p>y un palacio en la montaña.</p><p>Allí vive el rey Herodes,</p><p>allí viven sus soldados,</p><p>todos están esperando</p><p>que lleguen los Reyes Magos.</p><p><br /></p><p>En el cielo hay una Estrella</p><p>que a los Reyes Magos guía</p><p>hacia Belén para ver,</p><p>a Dios hijo de María.</p><p>Cuando pasan los monarcas,</p><p>sale la gente al camino,</p><p>y a Belén se van con ellos,</p><p>para ver al tierno Niño.</p><p><br /></p><p>Hacia el portal de Belén</p><p>se dirige un pastorcito</p><p>cantando de esta manera</p><p>para alegrar el camino.</p><p>Ha nacido el Niño Dios</p><p>en un portal miserable</p><p>para enseñar a los hombres</p><p>la humildad de su linaje.</p><p><br /></p><p>(Estribillo)</p><p>Arre borriquito,</p><p>arre, burro arre,</p><p>anda más deprisa</p><p>que llegamos tarde.</p><p>Arre borriquito,</p><p>vamos a Belén,</p><p>que mañana es fiesta</p><p>y al otro también.</p><p><br /></p><p style="text-align: justify;">En cuanto a la letra, en ella figuran todos los elementos propios de un «Nacimiento»: pastores y pastoras, el rey Herodes con su palacio en lo alto de una montaña y sus soldados, los Reyes Magos y la Estrella que los guía, María, el Niño, el portal de Belén… Y, por supuesto, el Niño es el centro de atención: «Dios hijo de María», «tierno Niño», «Niño Dios». Son los versos de la última estrofa los encargados de centrar el auténtico mensaje del villancico: «un portal miserable» es el lugar elegido para el nacimiento de Dios hecho Hombre, con objeto de hacer patente «la humildad de su linaje». Y a ese Niño es al que toda la gente de Belén quiere ver –salvo Herodes– acompañando a los Reyes Magos en su camino hacia el portal.</p><p>Respecto al estribillo es destacable en la primera parte la presencia de los dos tipos de erre vibrantes (múltiple: «arre -presente de imperativo repetido tres veces-, borriquito, burro») y simple («deprisa, tarde») ayudan a que la aliteración refuerce el carácter apremiante de la orden que recibe el «borriquillo/burro»: es necesario marchar muy rápido ante la inquietud de llegar con retraso a Belén, tanto el propio burro («anda»), como quien lo monta («llegamos»). Podría ocurrir que esta forma verbal («llegamos») hiciera las veces de plural sociativo, invitando al lector al recorrer en su mundo interior el camino que conduce a Belén.</p><p><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-80770177064488768372023-12-01T10:55:00.002+01:002023-12-01T10:55:45.741+01:00Tchaikovski, Álbum de la Juventud, op 39, nº 5, Marcha de los soldados de madera<p><span style="text-align: justify;">El álbum de la juventud de Tchaikovski siempre es muy agradable de estudiar. Esta vez, la marcha de los soldados de madera.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/KNlpzH5lAZc" width="320" youtube-src-id="KNlpzH5lAZc"></iframe></div><br /><p><br /></p><p style="text-align: justify;">Esta pieza fue escrita por el compositor ruso Pyotr Ilych Tchaikovski en 1878, durante la era romántica. Es la número 5 de una colección de piezas llamada "Album Pour Enfants" o "Álbum para los Jóvenes", op. 39.</p><p style="text-align: justify;">La pieza evoca una imagen de un niño imaginando que sus soldados de juguete cobran vida. Necesita tener un ritmo y tempo estrictos, similares a una marcha, para retratar el carácter de los soldados de madera marchando. Al mismo tiempo, necesita tener un sentido de jugueteo y un toque ligero</p><p style="text-align: justify;">El estudio del álbum Infantil de Tchaikovski pretende ser parte de la literatura musical dedicada al desarrollo musical y personal. Las piezas incluidas en el álbum, destinadas a jóvenes pianistas, pueden parecer engañosas por su simplicidad, sin embargo, contienen rasgos de las ideas compositivas más sofisticadas de Tchaikovski. Articulan gran parte del pensamiento figurativo del compositor y de la intención que subyacen incluso en sus mejores obras. Las piezas contenidas en el álbum permiten la adquisición de habilidades musicales y técnicas que pueden aplicarse directamente a obras mucho más grandes y de mayor alcance. También proporcionan una plataforma para la autoexpresión musical temprana.</p><p style="text-align: justify;">La forma de la pieza es ternaria (ABA'). Sección A (compases 1-16), sección B (compases 17-32) y sección A' (compases 33-48).</p><p style="text-align: justify;">La "Marcha de los Soldados de Madera" es una pieza en la que los soldaditos de juguete marchan al son de un tambor que se articula mediante figuras rítmicas características. Este personaje parecido a un juguete se enfatiza con los niveles dinámicos de piano y pianissimo que aparecen desde el principio. En esta miniatura, el compositor dibuja una imagen musical con medios de expresividad precisos y económicos. La proximidad de los acordes y la coherencia del ritmo transmiten los movimientos bien coordinados de los soldados que marchan en formación cerrada al ritmo del tamborilero.</p><p style="text-align: justify;">La sección B de la pieza (compases 17-32) suena un poco más amenazadora debido al cambio de centro tonal (La menor) y el uso de la armonía napolitana. Sin embargo, esta parte no va más allá del nivel dinámico del piano.</p><p style="text-align: justify;">En la repetición (A') se restablece la sonoridad original, incluso más tranquila que en mitad de la obra, como si se marchara un ejército de juguete.</p><p style="text-align: justify;">Lo que enseña la pieza</p><p style="text-align: justify;">1) Dinámica suave:</p><p style="text-align: justify;">a) control de los dedos,</p><p style="text-align: justify;">b) distribución del peso</p><p style="text-align: justify;">2) Acentos en el contexto de los niveles dinámicos de piano y pianissimo</p><p style="text-align: justify;">3) Precisión rítmica</p><p style="text-align: justify;">4) Definición melódica en acordes</p><p style="text-align: justify;">5) Observación estricta de los descansos que se traducen en marcha.</p><p style="text-align: justify;">Al estudiar una pieza, se debe prestar especial atención a la digitación y al patrón rítmico. La dificultad también surge de los silencios, es importante enseñar al alumno a retirar las manos simultáneamente durante las pausas. Esto le dará a la pieza el carácter deseado y evitará que el patrón rítmico se distorsione.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;">Fuente:</p><p style="text-align: justify;">Tchaikovsky's "Childrens album": a pedagogical analysis of its musical and performance significance in the piano teaching literature. Idlin Arshinova</p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-45387416133290969972023-11-14T20:11:00.003+01:002023-11-14T20:13:08.092+01:00Antonio Álvarez, Suspiros de España<p style="text-align: justify;">Cuando empecé a estudiar piano compré la partitura de "Suspiros de España". Han pasado muchos años. No sabía si la llegaría a tocar algún día. Al final, la he estudiado y grabado, con más fallos de los que hubiera querido, lo siento, pero hay que seguir adelante. Es una pieza preciosa, con un ritmo rápido, que me ha llevado al límite de mis capacidades, incluso físicas, pero el esfuerzo ha merecido la pena, más en estos días aciagos para la democracia en España.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/XHyv2Q-FrKs" width="320" youtube-src-id="XHyv2Q-FrKs"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;">Antonio Álvarez Alonso (1867-1903), natural de Martos (Jaén), fue un conocido pianista, compositor y director de zarzuelas. Huérfano desde muy temprano, se trasladó a Madrid para cursar sus estudios. Compuso más de 20 zarzuelas. También se distinguió como pianista y llegó a dar conciertos con el violinista Pablo Sarasate (1844–1908). En 1902 ganó, con su «Marcha solemne para la coronación del rey Alfonso XIII», el primer premio en un concurso de himnos y marchas organizado para la jura de Alfonso XIII como rey de España. Sin embargo, la composición que le permitió formar parte de la historia de la música en España ha sido el pasodoble «Suspiros de España».</p><p style="text-align: justify;">Antonio Álvarez Alonso llegó a Cartagena en 1897 con su propia compañía de zarzuelas pero debido al escaso éxito de sus representaciones. La falta de recursos para regresar a Madrid, sumada al deterioro de su matrimonio le obligaron a quedarse en Cartagena, donde se ganó la vida impartiendo clases de música. Muy pronto empezó a dar conciertos en los diferentes cafés de la calle mayor de Cartagena, con el sexteto (violín, viola, violonchelo, armonio, contrabajo y piano) que él mismo había formado y a relacionarse con otros músicos.</p><p style="text-align: justify;">Existen varias teorías sobre el origen de la composición. Sean más o menos verdaderas, el conocerlas es interesante. La hipótesis más antigua afirma que Antonio Álvarez compuso «Suspiros de España» en el café España en 1901 (aunque estrenada oficialmente en 1902) para demostrar la rapidez y espontaneidad con la que era capaz de componer sus más bellas melodías, durante alguna velada necesitada de entretenimiento. Pidió solamente, para inspirarse, unos dulces que el propio camarero compró en la confitería más próxima, ubicada en la misma calle mayor. Cuando el camarero volvió con los dulces (precisamente, los «suspiros» típicos de Cartagena), el pasodoble ya estaba prácticamente compuesto y, tras la exitosa reacción del público, la composición fue interpretada por los músicos allí presentes.</p><p style="text-align: justify;">La composición que Antonio Álvarez dedicó al ayuntamiento de Cartagena, no fue concebida como pasodoble (así se conoce hoy en día), sino como «marcha popular», según se lee en la portada de la edición original. Como tal fue estrenada en la víspera del Corpus Christi de 1902 de forma oficial por la banda de música de infantería de marina acantonada en Cartagena. El compositor no pudo disfrutar del éxito de su composición. Murió a causa de una angina de pecho dos años después de su estreno, con tan solo 36 años.</p><p style="text-align: justify;">Durante sus primeros años de existencia, la composición era exclusivamente instrumental, pero con el paso del tiempo también se le añadió letra. De este modo, fue interpretada por las figuras de la copla más consagradas del momento (entre otras, Concha Piquer y Estrellita Castro), lo que sirvió para extender, todavía más si cabe, la difusión de la composición.</p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-74488167535731065032023-10-11T10:54:00.006+02:002023-10-11T11:36:21.416+02:00Morales, Víctor, Romanza<p style="text-align: justify;">Estudié esta pequeña miniatura de un compositor llamado Víctor Morales. Es un músico venezolano profesional graduado en piano clásico con una amplia experiencia en diferentes estilos. Ganó el primer premio en el XI concurso de composición para piano "Fidelio 2020" en el que participaron cerca de 150 compositores de diferentes países. Ha participado en numerosas producciones y grabaciones de cedés así como viajado a varios países realizando recitales de piano (Alemania, Austria, Uruguay, Colombia, Canadá). Su profesora de piano, Marián Ember, se especializó en la Juilliard School of Music de Nueva York con la gran maestra Adele Marcus. Morales dedicó esta romanza al foro entre88teclas y fue elegida para el concurso XCVI que se celebra en este foro de piano.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/jyRfaWmgBY4" width="320" youtube-src-id="jyRfaWmgBY4"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-83722325283777756432023-08-21T11:01:00.001+02:002023-08-21T17:39:53.049+02:00Sánchez de Fuentes, Eduardo, Habanera: Tú (arr. Thompson, J.L.)<p style="text-align: justify;">Pues hoy toca una habanera, "Tú", una composición original del cubano Eduardo Sánchez de Fuentes, creada en 1892 cuando tenía 18 años. Esta pieza es considerada como el segundo himno de Cuba y se encuentra entre las tres canciones patrióticas cubanas más representativas. La letra de la habanera fue escrita por Fernando Sánchez de Fuentes, hermano del compositor.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;">Este arreglo es de John S. Thompson, conocido por ser un autor de métodos de enseñanza de piano, como "John Thompson's Modern Course for the Piano" y "John Thompson's Easiest Piano Course"</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/NFwM-Jhz75s" width="320" youtube-src-id="NFwM-Jhz75s"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;">Las habaneras son un género musical originado en Cuba en la primera mitad del siglo XIX. La primera habanera documentada es "El amor en el baile", de autor anónimo y publicada en 1842. Este género puede ser puramente instrumental, aunque lo habitual es que sea cantada, por un máximo de 15 cantantes. Las habaneras tienen sus raíces en la contradanza cubana, la contradanza criolla o la danza habanera, un baile heredero de la contradanza española. Algunas habaneras famosas incluyen "La Paloma" de Sebastián Iradier, "El Arreglito" también de Iradier, y la "Habanera" de la ópera Carmen de Georges Bizet.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p>.</p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-69066180621986496662023-07-28T17:18:00.000+02:002023-07-28T17:18:00.108+02:00Alexander Zemlinsky, Ländliche Tänze op 1, nº 3, Traumerisch<p style="text-align: justify;">Hace un tiempo encontré una pieza de este compositor, <a href="https://mispianadas.blogspot.com/p/zemlinsky.html" target="_blank">Alexander Zemlinsky</a>, que no he conseguido todavía. Así, mientras he estudiado esta especie de danza rústica, un sueño, con unos saltos de mano izquierda a las notas más agudas, que adornan la melodía como si fueran campanadas. Son una colección de 12 danzas basadas en bailes regionales de Austria. Tengo otra pieza en proceso de pulido para más adelante.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/pc-hmfPicnc" width="320" youtube-src-id="pc-hmfPicnc"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-57629072724957405242023-07-28T10:57:00.001+02:002023-07-28T10:57:14.658+02:00Mas Porcel, Sonatina rítmica<p style="text-align: justify;">De este compositor español, Mas Porcel, estudié hace un tiempo una pieza escrita para mano izquierda solo. Ahora repito con esta "Sonatina rítmica" con tempo de blues.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/ciRod-ueJgM" width="320" youtube-src-id="ciRod-ueJgM"></iframe></div><br /><p><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-38853833860033320232023-07-16T17:44:00.008+02:002023-12-31T17:50:14.834+01:00Oscar da Silva, op. 6, Constance<p style="text-align: justify;">Y acabando, de momento,con este compositor portugués, Oscar da Silva, op. 6, Constance. Son unas piezas compuestas en 1895 en Berlín, durante su estancia en Alemania. Forman un ciclo de siete pequeñas fantasías musicales con una gran influencia de R. Schumann en las que cada una de las piezas refleja, con extrema agudeza musical, la identidad de su contenido musical con el respectivo tema, claramente expuesto en el título. Son piezas románticas, con ciertas connotaciones portuguesas sin ser folclóricas.</p><p><br /></p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/PgvxZyD8yFI" width="320" youtube-src-id="PgvxZyD8yFI"></iframe></div><br /><p><br /></p><p><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-23535615501166372002023-06-16T10:41:00.001+02:002023-06-16T10:41:53.394+02:00Rollin, "Gypsy Flamenco"<p> Una pequeña pieza compuesta por Rollin, "Gypsy Flamenco". Interesante de estudiar.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/k99BRQnQj40" width="320" youtube-src-id="k99BRQnQj40"></iframe></div><br /><p><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-27201474496357051222023-05-11T15:14:00.005+02:002023-05-11T15:14:41.442+02:00Ponce, Marchita el alma<p>Pues hoy sí que toca una canción, Marchita el alma de Manuel Ponce, compuesta en 1912 (dicen que la oyó cantar por los campos Guanajuato), corta, intensa y dramática.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/4NZTQxD4zX4" width="320" youtube-src-id="4NZTQxD4zX4"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Marchita el alma,</div><div class="separator" style="clear: both;">triste el pensamiento,</div><div class="separator" style="clear: both;">mustia la faz,</div><div class="separator" style="clear: both;">y herido el corazón,</div><div class="separator" style="clear: both;">atravesando la existencia mísera</div><div class="separator" style="clear: both;">sin esperanza, sin esperanza de alcanzar su amor.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Yo quise hablarle y decirle mucho, mucho,</div><div class="separator" style="clear: both;">pero al intentarlo mi labio enmudeció;</div><div class="separator" style="clear: both;">nada le dije porque nada pude,</div><div class="separator" style="clear: both;">pues era de otro, era de otro ya su corazón.</div></div><br /><p><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-80109835139782446422023-05-08T12:52:00.001+02:002023-12-31T17:49:07.972+01:00Oscar da Silva, op. 6, Indécision<p style="text-align: left;"><span face=""Lucida Grande", "Trebuchet MS", Verdana, Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: justify;">Continuando con este </span><span style="font-family: times; text-align: justify;">compositor portugués, Oscar da Silva</span><span style="font-family: times; text-align: justify;">, op. 6, Indécision. Son unas piezas compuestas en 1895 en Berlín, durante su estancia en Alemania. Forman un ciclo de siete pequeñas fantasías musicales con una gran influencia de R. Schumann en las que cada una de las piezas refleja, con extrema agudeza musical, la identidad de su contenido musical con el respectivo tema, claramente expuesto en el título. Son piezas románticas, con ciertas connotaciones portuguesas sin ser folclóricas. Hace pocos días grabé <a href="https://mispianadas.blogspot.com/2023/03/oscar-da-silva-op-6-decouragement.html" target="_blank">Découragement</a>.</span></p><p style="text-align: left;"><span style="font-family: times; text-align: justify;"><br /></span></p><p style="text-align: left;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/eyF0uFWSgsk" width="320" youtube-src-id="eyF0uFWSgsk"></iframe></div><br /><span style="font-family: times; text-align: justify;"><br /></span><p></p><p style="text-align: left;"><span style="font-family: times; text-align: justify;"><br /></span></p><p style="text-align: left;"><span style="font-family: times; text-align: justify;"><br /></span></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-76054515174811620942023-04-21T11:03:00.007+02:002023-04-21T11:05:47.077+02:00Paul Desmond y Dave Brubeck, "Take five"<p style="text-align: justify;">Pues he estudiado el famosísimo "Take five". El tiempo sincopado me gusta mucho pero para mí tiene ciertas dificultades. Por suerte, la mano izquierda se repite casi toda la pieza, así que ha sido avanzar compás a compás para añadir la mano derecha. Creo que para improvisar en estos casos hace falta una independencia de las manos absoluta. Luego ha estado el asunto del compás 5/4, muy raro, como antinatural.</p><p style="text-align: justify;">Estaba reflexionando y pensé lo siguiente, que el estudiante crónico de piano tiene dos alegrías: una cuando encuentra la partitura y la imprime; y la siguiente cuando la graba; entre medio, son muchas horas de estudio.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/MkIzHcbT2ag" width="320" youtube-src-id="MkIzHcbT2ag"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;">«Take Five» es una composición de jazz creada por Paul Desmond e interpretada por el grupo The Dave Brubeck Quartet en su álbum de 1959 Time Out. Esta pieza fue grabada en los estudios de Columbia en la Calle 30 de la ciudad de Nueva York el 25 de junio y el 18 de agosto de 19591 y se convirtió en el disco más conocido del grupo, debido a su distintivo y contagioso saxofón y el empleo de un compás inusual de 5/4 (metro quíntuple) —de allí deriva el nombre de la canción—.2 Si bien «Take Five» no fue la primera composición de jazz en utilizar este compás, sí fue una de las primeras piezas en lograr una amplia aceptación comercial en los Estados Unidos al llegar a la posición número cinco en el listado Adult Contemporary Singles de la revista Billboard.</p><p style="text-align: justify;">«Take Five» fue regrabada e interpretada en directo en múltiples ocasiones por el cuarteto durante toda su carrera. Además varias versiones han emergido de la canción, tales como la de la cantante sueca Monica Zetterlund en 1962 y una versión en dub de King Tubby, publicada póstumamente en 2002. Otra versión pertenece a la jazzista y pianista Aziza Mustafa Zadeh. También fue interpretada por la orquesta china Twelve Girls Band.</p><p style="text-align: justify;">Otras versiones incluyen letra, como la grabada en 1961 con letra de Dave Brubeck y su esposa Iola, cantada por Carmen McRae, así como una versión en vivo al lado de Al Jarreau en 1997. También ha sido incluida en innumerables películas y bandas sonoras de televisión e incluso sigue recibiendo bastante acogida en la radio.</p><p style="text-align: justify;">Antes de su muerte en 1977, Desmond ordenó ceder los derechos de autor de sus composiciones, incluyendo «Take Five», a la Cruz Roja norteamericana, la cual ha recibido sumas de aproximadamente cien mil dólares al año.</p><p style="text-align: justify;">Fuente: Wikipedia.</p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-6928749877502654022023-03-30T11:26:00.002+02:002023-03-30T11:27:02.608+02:00Sebastián Albero, sonata nº 28, 30 sonatas para clavidordio<p style="text-align: justify;">Continuo con este compositor del siglo XVIII, tan desconocido, Sebastián Albero. Estos días he estudiado la sonata nº 28, de sus 30 sonatas para clavicordio. Es una pequeña joya, una sonata sensible, con modulaciones atrevidas, con una estructura coherente muy elegante. Como anécdota, el principio de esta sonata me ha recordado al famoso y triste preludio en mi menor de Chopin. Por casualidad, esta sonata de Albero también esta en mi menor y repite machaconamente la nota si, aunque la armonía de Chopin es totalmente distinta, son coincidencias musicales.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/IX0dZxThykg" width="320" youtube-src-id="IX0dZxThykg"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-6369425446328316902023-03-07T18:18:00.003+01:002023-03-07T18:18:35.637+01:00Sibelius, op. 99, nº 3, Souvenir<p> Una pequeña pieza más de Sibelius, un souvenir, breve y triste.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/krP6hAr5jeY" width="320" youtube-src-id="krP6hAr5jeY"></iframe></div><br /><p><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-49692117328322651992023-03-03T11:14:00.005+01:002023-03-03T11:17:24.921+01:00Oscar da Silva, op. 6, Découragement<p style="text-align: justify;"><span style="background-color: white; font-family: times;"><span face=""Lucida Grande", "Trebuchet MS", Verdana, Helvetica, Arial, sans-serif">Hoy he grabado esta pequeña pieza de un compositor portugués, Oscar da Silva</span><span face=""Lucida Grande", "Trebuchet MS", Verdana, Helvetica, Arial, sans-serif">, op. 6, Découragement. Son unas piezas compuestas en 1895 en Berlín, durante su estancia en Alemania. Son un ciclo de siete pequeñas fantasías musicales con una gran influencia de R. Schumann en las que cada una de las piezas refleja, con extrema agudeza musical, la identidad de su contenido musical con el respectivo tema, claramente expuesto en el título. Son piezas románticas, con ciertas connotaciones portuguesas sin ser folclóricas.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="background-color: white;"><span face=""Lucida Grande", "Trebuchet MS", Verdana, Helvetica, Arial, sans-serif" style="font-size: 13px;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="background-color: white;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/EYAwS3h5x2U" width="320" youtube-src-id="EYAwS3h5x2U"></iframe></div><br /><span face=""Lucida Grande", "Trebuchet MS", Verdana, Helvetica, Arial, sans-serif" style="font-size: 13px;"><br /></span><p></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-41863211660119036162023-03-01T16:13:00.002+01:002023-03-01T16:13:26.826+01:00Sebastián Alberto, sonata nº 11, 30 sonatas para clavidordio<p>Y sigo con compositores españoles del siglo XVIII, esta vez con Sebastián Albero, de quien he estudiado su sonata nº 11, de las 30 sonatas para clavicordio.</p><p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/LojMjgpP9zw" width="320" youtube-src-id="LojMjgpP9zw"></iframe></div><br /><p><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">Sonata monotemática. </span><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">El material temático reutilizado en el desarrollo proviene de la transición. Esta sonata es bastante homogénea en su diseño rítmico: el flujo de corcheas es continuado por las diversas voces de forma que el único punto de reposo de duración igual o superior a una negra en la primera sección ocurre al final del compás 8. La textura también es bastante estable, con una escritura predominante a tres voces y algunos fragmentos a cuatro voces (cc. 8, 19-20, 24-25, 30-31 y 52-58, entre otros). En este contexto, la identificación de las unidades estructurales formales depende casi exclusivamente del </span><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">análisis armónico.</span><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">Destaca, en este sentido, la repetición en el seno del grupo P de su frase inicial (cc. 1-4) transportada a Fa mayor (9-12), relativa mayor de la tonalidad principal. Dicha frase es también repetida al principio del grupo S en La menor, homónima menor de la dominante </span><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">(cc. 17-20). Sin embargo, esta frase inicial del grupo S es omitida en la recapitulación, por lo que la crux se retrasa hasta el interior del grupo S en la primera sección.</span><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">En cuanto al desarrollo, la cabeza (c. 13) del inicio de la transición aparece un total de catorce veces en las secuencias del desarrollo. La secuencia ascendente que contiene el clímax se basa también en la cabeza del principio de la transición (c. 14) y conduce al inicio </span><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">de la recapitulación (c. 57). Desde el punto de vista de la sintaxis melódica, predominan, igual que en las sonatas anteriores, los módulos de uno y dos compases, aunque encontramos un módulo genuino de cuatro compases de duración al principio de la </span><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">transición (cc. 13-16). Finalmente, desde la perspectiva idiomático-organológica, esta sonata es una de las </span><span style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">obras de Albero que mejor representa (junto con las sonatas XXII, XXVI y XXVIII) el estilo sentimental, por lo que agradece especialmente los recursos expresivos del pianoforte.</span></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-72137281844666439132023-01-31T11:17:00.005+01:002023-01-31T11:34:03.969+01:00Joaquín Montero, adagio de la sonata nº 2 de Seis sonatas para clave y fuerte piano.<p style="text-align: justify;"><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">Siguiendo con el teclado español del siglo XVIII, hoy dejo aquí un adagio de la sonata nº 2 de Joaquín Montero, (Sevilla? 1740? – ca. 1815) de sus Seis sonatas para clave y fuerte piano.</span></p><p style="text-align: justify;"><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/GNWzLyyH0iY" width="320" youtube-src-id="GNWzLyyH0iY"></iframe></div><br /><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">Las Seis sonatas para clave y fuerte piano, op.1, manuscrito de 1790 (aunque se cree fueron compuestas en 1764), se conservan en un único ejemplar en la Biblioteca del Orfeó catalá y poseen, según el musicólogo Linton Powell, una gran similitud con las de Manuel Blasco de Nebra, con influencias de Scarlatti y Haydn.</span></p><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><div style="text-align: justify;"><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">El título indicaba expresamente que eran para clave y pianoforte, por lo que algunos entienden que podría ser la primera colección con esta indicación expresa. Otros musicólogos dicen que la primera obra para pianoforte correspondió al que fuera maestro de Fernando VI, Sebastián Albero, en unas piezas tituladas “Obras para clavicordio o pianoforte” en las que hay unas piezas con una estructura muy infrecuente.</span></div><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><div style="text-align: justify;"><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">La edición impresa manuscrita, ejemplar único conservado de estas piezas para clave o pianoforte de Joaquín Montero está dedicada a la Real Sociedad Bascongada. Esta sociedad estaba emparentada con la Sociedad Económica Bascongada de los Amigos del País, que financiaba la Academia de Música de Sevilla, atendida por el administrador general de Andalucía Pablo de Olavide. En este marco, una veintena de ilustres invitados, entre ellos Joaquín Montero, escuchaban las novedades musicales italianas y francesas. Lo poco que se sabe de la carrera musical de Joaquín Montero lo vincula a este cultivado círculo sevillano. Además, Montero era organista de la iglesia parroquial de San Pedro Real en Sevilla.</span></div><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><div style="text-align: justify;"><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">Son sonatas compuestas en un idioma clásico temprano, galante, en dos movimientos fuertemente opuestos (uno lento y otro rápido), usando frases estructuradas claramente, que recuerdan no solamente por el ritmo, sino también por la técnica empleada, a las de Blasco de Nebra como al estilo de C.Ph.E. Bach e incluso al de Joseph Haydn. Los movimientos lentos, generalmente “Adagio”, ponen en manifiesto su calidad melódica de gran belleza, mientras que los movimientos rápidos requieren una gran virtuosidad por parte del intérprete y hacen sonar los registros del instrumento con escalas y arpegios. A medio camino entre el estilo barroco y el clásico, estas sonatas dan testimonio de la llegada del pianoforte a España.</span></div><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><div style="text-align: justify;"><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">Aparte de las sonatas, la obra de Montero es conocida por otras importantes colecciones de obras legada por Barbieri a la Biblioteca Nacional, que incluye diez minuetos manuscritos para pianoforte de Montero, bastante sencillos y sin desarrollos excesivos. Se caracterizan por la economía de medios temáticos y el estilo europeo. </span></div><br style="background-color: white; color: #202124; font-family: Roboto, Arial, sans-serif; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;" /><span face="Roboto, Arial, sans-serif" style="background-color: white; color: #202124; font-size: 16px; font-variant-ligatures: none; letter-spacing: 0.1px; white-space: pre-wrap;">Montero también dejó dos obras teóricas: un Compendio armónico (Madrid, 1790) y un Tratado teórico-práctico sobre el contrapunto (Manuscrito, 1815).</span>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.comtag:blogger.com,1999:blog-3794848061600602285.post-17343569381438912262023-01-19T11:45:00.000+01:002023-01-19T11:45:54.980+01:00Manuel Ponce, Hoja de álbum de Trozos románticos<p style="text-align: justify;">Hoja de álbum es el título de numerosas composiciones pequeñas de una amplia variedad de compositores clásicos. Se conoce en francés como "feuille d´album" o "albumblatt" en alemán. Suelen ser piezas para piano aunque también hay algunas para varios instrumentos. No tienen una estructura o forma definida y estas piezas bien hubieran podido ser llamadas también preludio, impromptu, romance, etc...</p><p><br /></p><p style="text-align: justify;">Originariamente, el término "hoja de álbum" era usado para las piezas escritas en dedicación a un amigo o admirador, para que fueran insertadas en sus álbumes o libros de autógrafos y no con la intención de publicarlas. Sin embargo, pasado un tiempo, perdió toda asociación con una dedicatoria en particular.</p><p><br /></p><p style="text-align: justify;">Hoy dejo aquí la hoja de álbum de un compositor mexicano, Manuel Ponce.</p><p style="text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/CCmxRQ1Uzy4" width="320" youtube-src-id="CCmxRQ1Uzy4"></iframe></div><br /><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p>Óscar Mirandahttp://www.blogger.com/profile/16364747592076079790noreply@blogger.com